9/12/07

Pablo Sarasate (VIII)

Tarantella. Pablo Sarasate. Grabación acústica 1904, interpretada por el propio autor. Edición del año 1920. HMV E 803.Mat.4260o
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2/12/07

Edvard Grieg (II)

Au Printemps. Op.43 nº 6. Edvard Grieg . Grabación acústica Paris 1903, interpretada por el propio autor. Reedición del año 1930. HMV D 803 35510.Mat.2147 F
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Enrique Granados.Lérida 27 de julio de 1867 - Canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916

Enrique Granados Campiña nació el 27 de Julio de 1867 en Lérida, su padre nació en Cuba y fue miembro del servicio Militar. Empezó a estudiar música a una edad muy temprana. Estudió piano en Barcelona con Joan Baptista Pujol. Pujol había estudiado con el pianista mallorquín y aprendiz de Liszt, Pere Tintorer. Pujol también creó lo que se puede denominar la primera tradición catalana de piano. Entre sus numerosos pupilos estaban Albéniz, Malats (profesor de Mompou) y Ricard Viñes. En 1887, Granados, viajó a Paris para estudiar con Charles de Beriot. En Paris, a la vez que mantuvo su amistad con Albéniz, Nin y Viñes, empezó a mantener contacto directo con los más importantes compositores franceses del momento, Faure, Debussy, Ravel, Dukas, d’Indy, estableciendo una estrecha relación con Camille Saint-Saens. En 1889 regresó a Barcelona para empezar su carrera como virtuoso intérprete y compositor. En 1892 hizo su primera interpretación del Piano Concerto de Grieg, en España. Durante esta época, interpretó muchos conciertos de música de cámara con amigos íntimos tales como Pau Casals, Mathieu Crickboom, Jacques Thibaud, Emil von Sauer y Camille Saint-Saëns. Entre 1895 y 1898 hizo la premier de varios de sus obras teatrales, Miel de Alcarria, Maria del Carmen, junto a varias obras de cámara y piezas al piano.
En 1901 fundó la Academia Granados, que se convirtió en el sello de la enseñanza del arte de interpretar al piano, como la entendía Granados. Granados y su mujer Amparo fallecieron ahogados cuando el Sussex, el barco en el que viajaban de Londres a Barcelona (el último tramo del viaje de retorno desde la premier de la exitosa opera Goyescas en Nueva York) fue torpedeado mientras cruzaba el Canal Inglés. Granados dirigió la Academia hasta el día de su muerte, asumiendo el mando a partir de entonces su pupilo y amigo Frank Marshall. Para evitar problemas de herencia tras la repentina muerte de Granados, Marshall y el catedrático de la Academia Felipe Pedrell decidieron cambiar el nombre de la Academia a Academia Marshall, lo que convertía a Marshall en el único propietario. Junto a Albéniz y Falla, Granados es a menudo reconocido como un compositor nacionalista. Actualmente, el término neo-romántico sería el mejor para describir cómo desarrolló su personal estilo romántico, hasta entonces desconocido en España. Un expresivo estilo influenciado por Chopin, Schumann, Schubert y Grieg y las Majas de Goya del siglo XVIII. Representa el piano romántico y poético del siglo XIX en España.
Danza española. Valenciana. Enrique Granados. Grabación acústica Barcelona 1912. interpretada por el propio autor. Odeon 68649.Mat xs 1508.
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Raoul Pugno.Montrouge 23 de Junio de 1852 - Moscú 3 de Enero de 1914


Serenade à la lune. Raoul Pugno. Grabación acústica Paris 1904, interpretada por el propio autor. G&T 35508.Mat.2054 F1
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Francis Planté.St.Avit 2 de Marzo 1839 – 19 de Diciembre de 1934

Estudio Op.25 nº 1 de F.Chopin. Grabación eléctrica Mont-de-Marsan 1928, interpretada por Francis Planté. Columbia D 15090.Mat.LX 511
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9/9/07

Pablo Sarasate (VII)

Capricho Jota. Pablo Sarasate. Grabación acústica 1904, interpretada por el propio autor. G&T G.C.-37932.Mat.4259o
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8/9/07

Fritz Kreisler (II)

Romanza sin palabras P.Tchaikowsky. Grabación acústica Berlin 1904, interpretada por Fritz Kreisler. G&T G.C. 47944 .Mat.2084 X
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Fritz Kreisler.Viena 2 de Febrero de 1875 - Nueva York 29 de Enero de 1962

Fue un notable violinista y compositor de origen austriaco.
Comenzó a estudiar con su padre siendo aún un niño y se perfeccionó con Jacques Auber. En 1882 se convirtió a la edad de 7 años en el alumno más joven de la historia del Conservatorio Musical de Viena, donde estudió con Hellmesberge y Bruckner. Dos años más tarde, con tan solo 9 años, debutó como violinista y al año siguiente fue discípulo de Lambert, Massart y Delibes en el Conservatorio Musical de París.
En 1888, Fritz Kreisler inició una gira de conciertos por Estados Unidos, y después de varios años en los que se dedicó a la Medicina, volvió a ejercer como solista a partir de 1899. En 1924 se estableció en Berlín, más tarde en París y en 1939, huyendo de los nazis, en Estados Unidos. Entre sus composiciones caben destacar obras para violín como "Liebesleid" y "Liebesfreud".
Aria. De la Suite N.3 BWV 1068 J.S.Bach. Grabación acústica Berlin 1904, interpretada por Fritz Kreisler. G&T G.C.47947.Mat.2087X
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Enrico Caruso.(II)


Mattinata.de la Ópera Chatterton. Ruggiero Leoncavallo. Grabación acústica Milán 1904, interpretada por Enrico Caruso y acompañada al piano por Ruggiero Leoncavallo.G&T 52034.Mat.2181h
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2/9/07

Joseph Joachim.Kittsee 28 de Junio de 1831 - Berlin 15 de Agosto de 1907



Nació en Kittsee cerca de Bratislava y Eisenstadt, actualmente en el estado austríaco de Burgenland, de Julius y Fanny Joachim, que eran judíos húngaros, siendo el séptimo de ocho hijos.
El año 1833 su familia se trasladó a Pest, donde estudió violín con Stanislaus Serwaczynski, concertino de la ópera de Pest (Serwaczynski se trasladó después a Lublin, Polonia, donde fue profesor de Wieniawski). En 1839, Joachim prosiguió sus estudios en Viena (durante un tiempo con Miska Hauser y Georg Hellmesberger (padre); finalmente —y de manera significativa— con Joseph Böhm). Bajo la protección de su prima, Fanny Wittgenstein (abuela del filósofo Ludwig Wittgenstein) fue a vivir y a estudiar a Leipzig, donde se convirtió en protegido de Felix Mendelssohn. En su primera actuación pública con la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig tocó el concierto de Heinrich Wilhelm Ernst. La interpretación del Concierto para violín de Beethoven en Londres, en 1844, cuando sólo tenía 12 años, y bajo la dirección de Mendelssohn, supuso un gran éxito y ayudó a situar esta obra en el repertorio. A pesar de que su segunda gira de conciertos resultó menos exitosa, Joachim se convirtió en un ídolo en Inglaterra.
Después de la muerte de Mendelssohn, Joachim permaneció algún tiempo en Leipzig, enseñando en el Conservatorio y tocando en el primer atril de la Orquesta del Gewandhaus con Ferdinand David. En 1848, Franz Liszt estableció su residencia en Weimar, determinado a restablecer la reputación de la ciudad como la Atenas de Alemania. Reunió un círculo de jóvenes vanguardistas, opuestos al conservador círculo de Leipzig. Joachim participó en el proyecto. Sirvió a Listz como concertino, y durante unos años abrazó de forma entusiasta la nueva música psicológica, como él la denominaba. En 1852 se trasladó a Hanover, mientras que, a la vez, se separaba de los ideales musicales de la Nueva Escuela Alemana (Liszt, Wagner, Berlioz y sus seguidores, como les definió el periodista Franz Brendel) haciendo causa común con Robert Schumann, Clara Schumann y Johannes Brahms. Su ruptura con Liszt se confirmó en agosto de 1857, cuando Joachim escribió a su mentor: "No simpatizo en absoluto con vuestra música; contradice todo aquello que desde mi tierna juventud constituyó mi alimento intelectual procedente del espíritu de nuestros grandes maestros."
La estancia de Joachim en Hanover fue la más prolífica en cuanto a la composición. Durante este periodo a menudo tocaba con Clara Schumann y con Brahms, tanto en privado como en público. En 1860, Brahms y Joachim escribieron juntos un manifiesto contra la música progresista de la Nueva Escuela Alemana, en reacción al polémico Neue Zeitschrift für Musik. El manifiesto se considera generalmente como un error de los autores, y fue acogido con ridículo y hostilidad.
El 10 de mayo de 1863 Joachim se casó con Amalie Weiss. En 1865 abandonó su puesto al servicio del Rey de Hanover en protesta, cuando este se negó a promocionar a uno de los miembros de la orquesta debido a su origen judío. En 1866 se trasladó en Berlín, donde fue director fundador de la Real Academia de Música. También fundó una orquesta y, en 1869, el Cuarteto de Cuerda Joachim, que rapidamente consiguió la reputación de ser el mejor de Europa.
En 1884, Joachim y su mujer se separaron, porque aquel estaba convencido que ella había tenido una relación amorosa con Fritz Simrock, editor de Brahms. Brahms, convencido de que las sospechas de Joachim no tenían base, escribió una carta de apoyo a Amalie, que ella más tarde utilizaría como prueba a su favor en el proceso de divorcio comenzado por Joachim. Esto causó un enfriamiento de la amistad entre Brahms y Joachim, que no se restauró hasta unos años después, cuando Brahms compuso el Doble concierto en la menor para violín y violonchelo, Op. 102, como una ofrenda de paz a su viejo amigo.
El 17 de agosto de 1903, en Berlín, grabó un disco de dos caras para la compañía Gramophone (G&T), que permanece como una fascinante y valiosa fuente de información sobre el estilo de interpretación violinística del siglo XIX. Fue el primer violinista, que se sepa, que hizo una grabación fonográfica. Joachim permaneció en Berlín hasta su muerte, por actinomicosis, en 1907.

Entre los hitos más notables que consiguió Joachim destaca la recuperación para el repertorio de las Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006 de Johann Sebastian Bach, y especialmente el Concierto para violín en re mayor, Op. 61 de Ludwig van Beethoven. Fue de los primeros en interpretar el Concierto para violín n.º 2 de Mendelssohn, que estudió con el mismo compositor. Jugó un papel muy destacado en la carrera de Johannes Brahms, siendo un incansable defensor de sus obras a pesar de las vicisitudes de su amistad. Dirigió el estreno inglés de la Sinfonía n.º 1 en do menor de Brahms.
Un cierto número de colegas contemporáneos, como por ejemplo Robert Schumann, Johannes Brahms, Max Bruch y Antonín Dvořák, compusieron conciertos para violín pensando en él, muchos de los cuales han pasado a formar parte del repertorio estándar. No obstante, el repertorio de solista de Joachim permaneció relativamente reducido. A pesar de su gran amistad con Brahms, sólo interpretó su Concierto para violín en re mayor, Op. 77 seis veces en toda su vida. Nunca interpretó el Concierto para violín en re menor, que Robert Schumann había escrito especialmente para él, o el Concierto para violín en la menor, Op. 53 de Antonin Dvořák. La obra más extraña que le fue dedicada fue la 'F-A-E' Sonata, una colaboración entre Schumann, Brahms y Albert Dietrich, basada en las iniciales del lema de Joachim, Frei aber Einsam (libre pero solo). A pesar de que esta sonata se interpreta poco de manera completa, su tercer movimiento, el Scherzo en do menor, compuesto por Brahms, se interpreta a menudo.
Las obras del mismo Joachim no son tan bien conocidas. Tuvo reputación de ser un compositor de un corto pero distinguido catálogo de obras. Entre las mismas hay un cierto número para violín (incluyendo tres conciertos) y oberturas para Hamlet y Enrique IV de Shakespeare. También compuso cadencias para conciertos de otros compositores, incluyendo las de Beethoven y Brahms. Su obra más conocida es su Concierto Húngaro, núm. 2, en re menor, Op 11.
El poeta británico, Robert Bridges, escribió un soneto sobre Joachim en su volumen de poesía The Growth of Love.
Bourrée. De la Partita en Si menor de J.S.Bach. Grabación acústica Berlin 1903, interpretada por Joseph Joachim. G&T 047904.Mat.205y

Pablo Sarasate (VI)

Zapateado. Pablo Sarasate. Grabación acústica 1904, interpretada por el propio autor. G&T G.C.-37937.Mat.4266o
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1/9/07

José Viana da Motta.Santo Tomé, 22 de abril de 1868 - Lisboa, 1948

Fue un compositor, pianista y profesor de música portugués.

Es la personalidad más polifacética de la música portuguesa en la primera mitad del siglo XX: pianista virtuoso de fama internacional, pedagogo, compositor, ensayista y filósofo, es un ejemplo a seguir como modelo de trabajo y tenacidad. Su concepción vital plantea el logro del equilibrio mental, de la dignidad artística y del desarrollo intelectual, a partir del seguimiento de la vocación propia y del cultivo de las facultades naturales propias, en su caso, el dominio absoluto de la técnica pianística.
Su virtuosismo pianístico, le hace invitado habitual de las sociedades filarmónicas de todo el mundo: Rusia, Francia, Estados Unidos, Italia, España, Dinamarca, etc. Es un wagneriano fiel durante toda su carrera y, cuando fija definitivamente su residencia en Lisboa (1917), un promotor incansable de la música sinfónica y de cámara en Portugal y en España. Ese mismo año funda la Sociedad de Conciertos de Lisboa, dirigiendo su orquesta entre 1918 y 1920.
Es nombrado director del Conservatorio Nacional de Música de Lisboa en 1918, puesto que ocupa hasta 1938. Entre sus discípulos destacan los nombres de Maria Antoinette de Freitas Branco, Nella Maissa, Luís Costa, Campos Coelho, Helena Sá e Costa, Fernando Lopes-Graça, Sequeira e Costa.
Como compositor, Viana da Mota ocupa un lugar importante en la renovación de la música portuguesa. Entre sus obras destacan la Sinfonía À Pátria, Evocação dos Lusíadas, Cenas da Montanha y numerosas piezas vocales o para piano.


Duetino Concertante para dos pianos. Mozart-Busoni. Grabación eléctrica. Paris 1928, interpretada por José Viana da Motta y Mlle de Castello Lopes. Pathe X5453.Mat.N8738-2 N8739-2
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27/8/07

Pablo Sarasate (V)

Capricho Vasco. Pablo Sarasate. Grabación acústica 1904, interpretada por el propio autor. G&T G.C.-37929.Mat.4262o
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11/8/07

Edvard Grieg.Bergen 15 de junio de 1843 - 4 de septiembre de 1907

Edvard Hagerup Grieg; Bergen, 1843 - 1907 Compositor noruego considerado el principal representante de la música nacionalista de su país. Edvard Grieg Inició su formación musical con su madre, Gesine Judith Grieg, que era pianista y había estudiado con Albert Methfessel en Hamburgo. En 1858 tuvo lugar un acontecimiento relevante para la formación musical del compositor noruego: un amigo de los Grieg, el compositor y violinista Ole Bull, les hizo una visita en el transcurso de la cual escuchó tocar el piano al joven Edvard. Quedó tan impresionado que convenció a sus padres para que lo enviaran a estudiar al Conservatorio de Leipzig.
Grieg ingresó en dicho centro de estudios cuando contaba 15 años, y allí estudió piano con Louis Plaidy y E. F. Wenzel, que había sido amigo de Robert Schumann, e Ignaz Moscheles. Adquirió también conocimientos de armonía y contrapunto de la mano de E. F. Richter, Robert Papperitz y Moritz Hauptman. Su profesor de composición en Leipzig fue Carl Reinecke. En la ciudad alemana, Grieg tuvo la oportunidad de asistir a importantes recitales como el que dio Clara Schumann en el Gewandhaus o a diversas representaciones de óperas de Wagner como Tannhäuser. En aquella época, alrededor de 1862, Grieg ya había escrito su Op. 1, que consistía en cuatro piezas para piano, además de sus Cuatro canciones para contralto con textos alemanes, que constituyen su Op. 2.
En mayo de 1863 decidió trasladarse a Copenhague, ciudad donde se desarrollaba la mayor parte de la vida cultural de Escandinavia. Allí estudió con el compositor danés Niels Gade, líder de la escuela romántica escandinava. Éste le animó a componer una sinfonía que Grieg llevó a cabo pero nunca quiso estrenar. También en la capital danesa entró en contacto con otros músicos como Emil Hartmann y Gottfred Matthison-Hansen, así como con los escritores Benjamin Feddersen y Hans Christian Andersen. Este último le proporcionó poemas para su obra Hjertets melodier (Melodías del corazón), Op. 5, que interpretaría magistralmente su prima y futura esposa, la cantante Nina Hagerup.
Fue también en la capital danesa donde trabó amistad con la persona que más le marcó en su trayectoria posterior: el compositor Rikard Nordraak (1842-1866). Nordraak, autor del himno nacional noruego, fue quien introdujo a Grieg en la música nacionalista de su país. Cuando ambos se conocieron en 1864, el joven Nordraak estaba trabajando en la música incidental para la obra Sigurd Slembe del dramaturgo Martinus Björnson, con quien también colaboraría Grieg años después.
El agradecimiento que sintió el músico de Bergen hacia su compatriota le llevó a dedicarle su Humoresker Op. 6 para piano, primera obra de Grieg que muestra influencias de la música popular noruega. Su interés creciente por el folclore y la tradición musical de su país le llevó a fundar la sociedad Euterpe, junto a los ya citados Nordraak y Matthison-Hansen, cuyo objetivo era divulgar la música escandinava.
Entre 1865 y 1866 vivió en Roma, donde conoció al dramaturgo Henrik Ibsen, a cuya obra Peer Gynt pondría música más adelante. El 15 de octubre de 1866 dio un concierto de música noruega en el Teatro de Christiania (la actual Oslo) junto a la cantante Nina Hagerup y la violinista Wilma Neruda. Al año siguiente se inauguró la Academia de Música Noruega que Grieg y el crítico Otto Winter-Hjelm habían proyectado fundar. Ese mismo año, el 11 de junio, se casó con Nina y pronto acabó de componer su segunda Sonata para Violín Op. 13.
En 1869, Franz Liszt le escribió elogiando una de sus sonatas para violín y piano y le mostró su deseo de conocerle personalmente. Ambos se encontraron en Roma meses más tarde. En el verano de 1869 llegó a manos de Grieg una copia de la colección de canciones populares de Ludwig Mathias Lindeman (1812-1887), titulada Aeldre og myere norske fjeldmelodier (Viejas y nuevas canciones montañesas). Este descubrimiento le posibilitó seguir adentrándose en las posibilidades de la música popular noruega y escribir su Op. 17 para piano, una serie de piezas basadas en estas canciones.
A comienzos de 1870 comenzó su fructífera colaboración con el dramaturgo Björnson en obras como Foran sydens kloster, o diversas cantatas como Arnlijot Gelline, para voces femeninas, y Landkjending, para voces masculinas. Ambos planeaban crear una ópera sobre tema noruego titulada Olav Trygvason que finalmente no llegaron a completar. En 1871, Grieg contribuyó a la fundación de una sociedad musical para promover la música orquestal. En 1874, el Estado le concedió una ayuda económica anual para que pudiera dedicarse de lleno a la composición. De esta época son, entre otras obras, su Cuarteto de cuerda en sol menor, Den Bergtekne para barítono y orquesta y el Álbum para coro masculino.
A partir de 1876 emprendió grandes giras de conciertos por Europa, en las que interpretó y dirigió sus propias obras. Su presentación en Londres en 1888 supuso el reconocimiento internacional de su obra. Entre 1880 y 1882 dirigió la orquesta del Harmonien (Sociedad Armónica) de su natal Bergen. Éste fue uno de los últimos compromisos oficiales que aceptaría, ya que el resto de su vida lo dedicó a otras tareas como la composición de su Sonata para violonchelo Op. 36 y de varios cuadernos de Piezas Líricas. Además, participó en el bicentenario del nacimiento del escritor Ludvig Holberg en 1884 con la suite Fra Holbergs tid (Del tiempo de Holberg).
En el verano de ese mismo año comenzó la construcción de su futuro hogar en Troldhaugen, actualmente casa-museo del compositor. Fue en esa localidad donde pasó el resto de sus años, componiendo y revisando antiguas partituras o paseando por las montañas noruegas. En 1898, sus esfuerzos para la difusión de la música de su país culminaron con la creación del primer festival de música de Noruega, que se celebró en Bergen. Para este evento compuso sus populares Danzas Sinfónicas Op. 64, basadas en las canciones de Lindeman. Su salud se deterioró, pero continuó dando conciertos en ciudades extranjeras como Varsovia y París. En 1906 compuso su última obra, los Fire salmer (Cuatro salmos), basados en melodías populares.
La música de Grieg tiene aires de vida campestre y de contacto con la naturaleza, aspecto que tuvo gran peso en la vida del músico. No es una música de grandes contrastes desgarradores, pero posee gran lirismo y fluye de manera ágil y reposada. Grieg es principalmente un melodista: sus obras poseen un gran atractivo melódico y esto propició su rápida difusión. Es también un instrumentador fino que maneja a la perfección las cuerdas y los instrumentos de viento-madera como el clarinete o el fagot. No emplea en exceso los metales como otros contemporáneos suyos, aunque sí saca partido de las tubas cuando es necesario.
En su etapa de formación, Grieg centró su interés en la música romántica y sobre todo en el compositor alemán Robert Schumann. A partir de 1865, y tras conocer a Nordraak, comenzó a inspirarse en el folclore de su país. Supo tratar la música popular noruega de forma innovadora y es en sus arreglos de melodías folclóricas como las Norwegische Tänze Op. 35 (Danzas noruegas) para piano donde aparecen con mayor claridad los principales avances armónicos de su lenguaje. También se encuentran huellas del impresionismo musical en algunas obras suyas como el Cuarteto en Sol menor Op. 27 (1877-8), en el que utiliza la disonancia de forma muy libre, como después haría Claude Debussy en sus propios cuartetos.
Grieg escribió numerosas colecciones de canciones, en parte porque su esposa, la cantante Nina Hagerup, era su más próxima fuente de inspiración, además de una excelente intérprete de sus melodías. Los temas de sus canciones suelen ser amorosos, como en las Hjertets melodier Op. 5, o populares como el ciclo Haugtussa Op. 67, basado en poemas tradicionales noruegos.
El piano fue el instrumento, aparte de la voz, al que más obras dedicó. El estilo pianístico de Grieg posee delicados adornos y debe bastante a la obra del polaco Frédéric Chopin y, por supuesto, a los ritmos y melodías de Noruega. Su Concierto para piano en La menor, compuesto en 1868 y revisado en 1907, es una obra de gran exuberancia, con tintes folclóricos y rica en material contrastante.
Otro excelente ejemplo de su obra pianística es la Balada en Sol menor Op. 24, estéticamente cercana a su Cuarteto de cuerda en el mismo tono. La balada está inspirada en una de las canciones de Lindeman y está estructurada como un ciclo de variaciones. Sus diez colecciones de Piezas líricas forman parte del repertorio de muchos pianistas aficionados, por su encanto melódico y accesibilidad técnica.
La producción camerística de Grieg, si bien no es tan abundante como su obra pianística o vocal, posee bellos ejemplos como las tres sonatas para violín, la Sonata para violonchelo o los dos cuartetos de cuerda. La obra que le dio más popularidad fue la música incidental para la obra Peer Gynt del dramaturgo Ibsen. Grieg trabajó duramente en esta obra, que en la actualidad se interpreta en dos suites (Op. 46 y Op. 55), que tan sólo incluyen ocho de los veintiséis números originalmente concebidos por el compositor para la obra de Ibsen.
Final de la sonata para piano op 7. Edvard Grieg. Grabación acústica Paris 1903, interpretada por el propio autor.G&T G.C.-35512 Mat.2153 P
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Béla Bartók. Nagyszentmiklós 25 de marzo de 1881- Nueva York 26 de septiembre de 1945

Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, 1881-Nueva York, 1945. Compositor húngaro. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.
Hijo de un maestro de la Escuela de Agricultura de Nagyszenmiklós, los siete primeros años de vida del futuro músico transcurrieron en esta pequeña localidad, hoy perteneciente a Rumania. Fallecido su padre en 1888, su infancia se desarrolló en las diversas poblaciones húngaras a las que su madre, institutriz, era destinada.
Aunque los primeros pasos de Bartok en el mundo de la música se decantaron hacia la interpretación pianística (en 1905 llegó a presentarse al prestigioso Concurso Rubinstein de piano, en el que fue superado por un joven Wilhelm Backhaus), pronto sus intereses se inclinaron decididamente por la composición musical. De trascendental importancia fue el descubrimiento del folclor húngaro que Bartok, junto al mencionado Kodály, estudió de manera apasionada de pueblo en pueblo y de aldea en aldea, con ayuda de un rudimentario fonógrafo y papel pautado.
Su influencia en su propia labor creadora sería determinante, hasta convertirse en la principal característica de su estilo y permitirle desvincularse de la profunda deuda con la tradición romántica anterior –en especial de la representada por autores como Liszt, Brahms y Richard Strauss– que se apreciaba en sus primeras composiciones, entre las que figura el poema sinfónico Kossuth.
No sólo el folclor húngaro atrajo sus miras: también lo hicieron el eslovaco, el rumano, el turco o el árabe. Con todo, no hay que pensar por ello que en sus obras se limitara a citarlo o a recrearlo, antes al contrario: el folclor era sólo el punto de partida para una música absolutamente original, ajena a los grandes movimientos que dominaban la creación musical de la primera mitad del siglo XX, el neoclasicismo de Stravinski y el dodecafonismo de Schönberg, por más que en ocasiones utilizara algunos de sus recursos.
Si bien en algunas composiciones se conserva total o parcialmente la melodía original (Cuarenta y cuatro dúos para dos violines), en otras, sobre todo en las más maduras, se asiste a la total absorción de los ritmos y las formas populares, de manera tal que, pese a no existir referencias directas, se advierte en todo momento su presencia. Páginas como las de la única ópera escrita por el músico, El castillo de Barba Azul; los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso; el Concierto para piano n.º 1 y el Allegro bárbaro para piano contribuyeron a hacer de Bartok un autor conocido dentro y fuera de las fronteras de su patria, a pesar del escándalo que suscitaron algunas de ellas por lo atrevido de su lenguaje armónico, rítmico y tímbrico.
Profesor de piano en la Academia de Música de Budapest desde 1907 y director adjunto de esta misma institución desde 1919, en 1934 abandonó los cargos docentes para proseguir su investigación en el campo de la musicología popular, al mismo tiempo que, como pianista, ofrecía recitales de sus obras en toda Europa y continuaba su tarea creativa, con partituras tan importantes como Música para cuerdas, percusión y celesta y la Sonata para dos pianos y percusión.
El estallido de la Segunda Guerra Mundial le obligó, como a tantos otros de sus colegas, a buscar refugio en Estados Unidos. Allí, a pesar de algunos encargos puntuales como la Sonata para violín solo o el Concierto para orquesta, Bartok pasó por serias dificultades económicas, agravadas por su precario estado de salud. A su muerte, a causa de una leucemia, dejó inacabadas algunas composiciones, como el Concierto para piano n.º 3 y el Concierto para viola, ambas culminadas por su discípulo Tibor Serly.
Allegro Bárbaro. Béla Bartók. Grabación eléctrica 11 de Mayo de 1929, interpretada por el propio autor. HMV AM 2622 Mat.BV 727
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Pablo Sarasate.Pamplona 10 de marzo de 1844 - Biarritz, 20 de septiembre de 1908

nace el 10 de Marzo de 1844, día de San Melitón en Pamplona. Su padre era Miguel Sarasate Juanenay su madre Francisca Javiera Navascués Oacharena, que tuvieron otras tres hijas: Maicaela, Francisca y María. Precoz e hijo de padres que supieron calibrar el futuro de su hijo, toma lecciones y toca desde muy temprana edad (primer concierto a los 7 años en La Coruña) para sorpresa de todos. Pensionado por su provincia natal, ingresa al Conservatorio de París bajo la tutela de A/arden 1856. Gana premios, destaca en sus lecciones y, en seguida, es premiado y reconocido como el gran concertista que fue. Estudió en Santiago de Compostela entre 1846-1849 con José Courtier , primer violín de la Catedral y profesor d la Escuela de Música de Santiago de Compostela. Documento: Carta pidiendo el abandono de la plaza de profesor de violín de la Escuela de Música de Amigos del Pais de Santiago de J. Courtier, por enfermedad. El éxito rápido y seguro como ejecutante le hace olvidar sus deberes como alumno de armonía y composición. Llegados a este punto, es conveniente señalar si ésta, fue o no, una correcta decisión. Probablemente el reconocimiento de las limitaciones para la creación, hayan predispuesto al músico español para seguir los caminos de la fama por mar y tierra y dejar breves momentos para la escritura de piezas de especial virtuosismo en digitación y firmeza con el arco. El éxito rápido y seguro como ejecutante le hace olvidar sus deberes como alumno de armonía y composición. Llegados a este punto, es conveniente señalar si ésta, fue o no, una correcta decisión. Probablemente el reconocimiento de las limitaciones para la creación, hayan predispuesto al músico español para seguir los caminos de la fama por mar y tierra y dejar breves momentos para la escritura de piezas de especial virtuosismo en digitación y firmeza con el arco. Parece que no escapó ningún rincón del Viejo Continente a las visitas de Sarasate. Desde Portugal hasta los países nórdicos y varias visitas a Londres y consuetudinarias vueltas a la tierra natal fueron constantes en él. América del Norte y Sudamérica pudieron gozar del concertista a la par que los privilegiados europeos. Memorables son sus conciertos y recitales. La tenaz formación musical y el espíritu ahíto de triunfo de Sarasate lo mantuvieron en activo hasta su muerte. Señalan las críticas y crónicas de la época que su fuerza radicaba más en la sutileza de interpretación que en el fuego temperamental que caracterizó a un Paganini aunque no careció el español de las dotes que perpetuaran al italiano, a saber, ataque, pasión, flexibilidad y una natural facilidad para el violín. Su técnica de la mano izquierda fue también proverbial así como la velocidad de ejecución, pero siempre coincidían todos, en los matices de perfecta musicalidad y la afinación única de Sarasate. Arrancaba el más hermoso sonido que pueda esperarse del violín sin mostrar el enorme esfuerzo. Tuvo dos Stradivarius, uno se lo compró a J.B. Vuillaume; y el otro a los Sres. Gand & Bernardel El Sarasate compositor es el aspecto que escapa a la leyenda puesto que hoy en día están sus obras a disposición de todos quienes así lo deseen. Se adivina o se infiere por el grado de dificultad técnica de las piezas del catálogo (no muy extenso) que los elogios de antaño debieron ser sinceros. No hubiera compuesto Sarasate lo que él mismo no se atreviera a tocar con propiedad y brillantez. Una constante en sus obras es el folklore español como punto de partida y como principal elemento rítmico y melódico. Una repasada a estas obras nos arroja Danzas Españolas: Malagueña, Habanera, Romanza andaluza, Jota Navarra, Playera y Zapateado. Fantasía sobre la ópera Carmen para violín y piano (luego para orquesta y violín), Canción gitana y una Introducción y tarantela para el violín aquí cambió España por Italia conservando el acento folklorizante. Fue también Sarasate fuente de inspiración para compositores de su tiempo. Saint-Saëns, Lalo y Max Bruch dedicaron conciertos o piezas concertantes para violín y orquesta al pamplones. La Sinfonía Española de Eduardo Lalo, de obvias referencias al origen y el estilo del violinista es una de las obras más conocidas por el gran público, de fácil recordación por sus agradables melodías y por la prueba de fuego que significa para cualquier concertista . Homenajeado por sus compatriotas, elevado a la categoría de honor nacional en España, Pablo Sarasate ha pasado a la posteridad como leyenda y ejemplo de la entrega que todo músico debe hacer a su carrera hasta obtener de sus aptitudes lo más parecido a la perfección.
Nocturno. Op 9 nº 2. F.Chopin. Grabación acústica 1904, interpretada por Pablo Sarasate. G&T G.C.-37938.Mat.4267o
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Pablo Sarasate (II)

Miramar. Pablo Sarasate. Grabación acústica 1904, interpretada por el propio autor. G&T G.C.-37934.Mat.4261o

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8/8/07

Pablo Sarasate (III)

Tarantella. Pablo Sarasate. Grabación acústica 1904, interpretada por el propio autor. G&T G.C-37933.Mat. 4260o
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Pablo Sarasate (IV)

Preludio. De la Partita en Mi mayor. J.S.Bach. Grabación acústica 1904, interpretada por Pablo Sarasate G&T G.C.-37931. Mat.4258o
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